Historia de una foto

   "Para Raquel, es decir para mí...". Debajo de la sentida dedicatoria fechada en 1946, un pentagrama ilustra los compases y la letra de una de las composiciones más célebres de Enrique Santos Discépolo: Canción desesperada.     

Raqauel Díaz de León, la musa de ese desgarrador tango que habla de dolores y traiciones, tiene hoy 85  años, vive en México y, a seis años de la muerte del genial artista, sigue esperando que la justicia argentina reconozca a su hijo como fruto del romance de tres años que los unió.                                                                                                                                -"Para mí sería una gran satisfacción, porque ya no soy ninguna jovencita y necesito irme tranquila", aseguró la mujer que supo conquistar el corazón de Discepolín durante su paso por tierras aztecas.

                                                                                             Discépolo y Raquel   

-No se trata de un interés económico. lo que quiero es que mi hijo, Enrique Luis obtenga un reconocimiento legal en el país en que el padre es una leyenda.                                                   -¿Cuándo conoció a Discépolo?                                                                                                 -Lo conocí en 1945, en Cuernavaca. Yo tenía 18 años y me habían dicho que él había sido invitado por otros compositores mexicanos para darle una comida en un hotel. Al llegar a aquella comida vi a un hombre flaquito, alegre, muy entusiasta. Entonces le pregunté al mesero y me respondió que era Santos Discépolo.                                                                -¿Cómo se produjo el encuentro?  

-Él también preguntó por mí y me invitó a su mesa. Me senté y nos agarró un amor a primera vista. Yo lo miraba con una locura tremenda porque era un hombre muy gracioso, alguien que siempre tenía algo que decir. Me conquistó inmediatamente.  

-¿Y quién dio el primer paso?                                                                                                          -¡Él, claro!  En un momento, tiró su servilleta al piso, la levantó y aprovechó para decirme: "Me voy para México porque mañana salgo para Cuba". Se iba a La Habana porque allí lo esperaba Tania. ¿Y si nos vamos juntos?, me preguntó. Ya estábamos enamorados.

-¿Conocía sus tangos?                                                                                                                  -Sí, -Estaba enamoradísima de sus composiciones.... Ya en México, me dijo que al otro día se iba muy temprano, pero que volvería en 15 días a buscarme. ¡Estaba enloquecida de la emoción, que Discépolo se fijara en mí!                                                                                        -¿Y volvió?                                                                                                                                       -Sí, antes del tiempo anunciado. Me llamó y empecé a gritar como una loca. Iba a quedarse por tres meses en México porque él y Tania habían firmado contrato con un club para presentarse. En ese tiempo, nuestro amor fue creciendo cada día.                                               -¿Tania estaba al tanto de la relación?                                                                                 -Entiendo que ellos tenían una relación abierta, o al menos esa señora tenía fama de que andaba con quien le diera la gana sin importarle poner en ridículo a su marido. Por esa época, de hecho, mantenía una relación con un futbolista muy famoso y se sabía que le gustaban los hombres grandotes. Todo lo contrario de lo que era Discépolo.                                                -Pero él la seguía considerando su esposa...                                                                                -El decía que era su representante, pero la verdad que le despertaban mucho temor sus reacciones. De hecho, ella estaba en Buenos Aires cuando se enteró que Discépolo y yo esperábamos un hijo. Vino hasta México y lo obligó a volver con ella a Argentina.       -¿Cuántos meses llevaba de embarazo?                                                                                      -Seis. Él estaba muy triste, me besaba, me hizo muchas promesas por cumplir,... Pero antes de irse le pidió a su amigo. Jorge Reyes, que me consiguiera un departamento. Estaba permanentemente en contacto para saber cómo estaba,  y siempre se las ingeniaba para que nada me faltara.                            

-¿Llegó a conocer a su hijo?                                                                                                          -No, pero designó a a Tita Merello y a Luis Sandrini como sus padrinos, porque ellos vivían en México por entonces. Tita, de hecho , declaró a favor de mi hijo en uno de los juicios por filiación, algo que Tania nunca le perdonó.                                                                                   -¿Cómo se enteró de la muerte de Discépolo?                                                                 -Estaba trabajando como periodista en el Excélsior de   México. Llegué a la redacción y vi la noticia. No podía parar de llorar; nuestro hijo tenía apenas 4 años.                                       -¿Qué recuerdos le quedan de él?                                                                                                    -Sesenta años después de su muerte, lo sigo amando. Y lo sigo esperando, porque sé que va a venir por mí y nos vamos a ir a la mar de la mano.. 

Martín Artigas                                                                                                                                                                

(Escuchamos la versión de "Canción desesperada", el tango de Discépolo que Troilo grabó con su orquesta y el cantor Alberto Marino. Lo llevaron al disco el 9 de octubre de 1945.)

                                             

 

 

                                    

La importancia de Eduardo Arolas

                                      

     

Julio  De Caro: "Fue el creador del rezongo y del fraseo. Sus composiciones encierran una estructura definida y una línea melódica de verdadera inspiración. El bandoneón que pulsaba, hablaba siempre musicalmente, el idioma porteño, sin cosas raras". 

José Pécora: "Cuando estrenábamos un tango me decía: "Mirá pibe, hacé esta armonía". Era una armonía fraseando, desconocida para la época". 

Pedro Maffia: "La ejecución de Arolas era brillante, enérgica. Tocaba el tango muy sencillo, sin variaciones, muy matizado y colorido". 

Pedro Laurenz: "Vivía adelantado a su época. Él ha sido el creador del fraseo que se utiliza ahora (1954). El rezongo era creación personal suya. Ha sido tan creador que lo que hacemos hoy, él ya lo hacía en 1920". 

Gabriel Clausi: "Los fraseos octavados  son invención de él. Fue el más grande de su época y, sin darse cuenta, el que transformó el tango del 2 por cuatro al del 4 cuatro por ocho2.

Enrique Delfino: "Tocaba de alma, ponía el corazón en los pliegues del fueye y no porque tuviera la digitación de un Marcucci. Ante Arolas yo tenía siempre la sospecha de que era poco instrumento para un corazón tan grande". 

(Escuchamos a la orquesta de Aníbal Troilo en esta "Selección de tangos de Eduardo Arolas". )                                                                                                                                                                                                     

                     

         

 

Primavera porteña

“Así, así quedaste en mí / 
 clavada en la raíz 

 remota del recuerdo”.

           Mario C. Arrieta

En el ambiente densos perfumes
jacarandáes, palos borrachos; los limoneros y los lapachos
lucen sus copas enguirnaldadas.
Calle Florida, chic pasarela: 
canyenguea tangos muy villoldeanos  una pareja
y aroma el aire enjazminado.
Las minifaldas de las muchachas
revoloteando por esa brisa acariciante que manda el río,
copan miradas.
Algarabía de los casales:
gorriones y torcacitas; horneros, mirlos y benteveos
acarrean ramas, tejen sus nidos.
Sol de suburbio, rumor de barrio
purretes reos, con su bullanga tras la pelota,
pueblan de goles a su destino.
Bajo Belgrano tan estulero:
pingos nerviosos que en su prosapia velan el sueño 
de un batacazo.
Verde setiembre, cien terracitas
fértil despliegue de estudiantinas alborotadas
tocando a diana.
Plazas porteñas, chuchos saltones
ladran inquietos marcando al bardo su territorio
de ciudad en celo.
Perfil de ardores palermitanos:
Mbucuruyáes, botes, senderos; sudan los cuerpos
labrando músculo hacia el verano.
        Santa Maria de los Buenos Aires; es primavera.
 
JOSÉ MARÍA OTERO

 

  

La casita de mis viejos

 Enrique Cadícamo: "Cobián estaba a cargo de la asesoría musical de la Editorial Ricordi y un día me telefonea pidiéndome que me acerque allá, a San Martín al 500, para escuchar un tango que acaba de componer. Aquella sería nuestra primera colaboración.

Llego a su despacho y luego de invitarme con un café, me hace escuchar al piano una melodía, tan de su estilo que me agradó muchísimo, pidiéndole que la repitiera a fin de compenetrarme y de retenerla en mis oídos. Comencé a tomar un "monstruo" de la misma y al probar sus acentos, notamos que funcionaba perfectamente dentro de la medida musical.

Cobián se entusiasmó con el "monstruo" y se puso a cantarlo. Al terminar me dijo muy convencido de que lo dejara tal cual estaba, porque ya era una letra. Le rogué que habláramos en serio porque había que mascar mucho aquello para sacar una letra presentable.

Yo alquilaba un pequeño departamento en Talcahuano 309. Habiendo quedado desocupado el del piso de arriba y sabiendo que Cobián buscaba uno para mudarse, lo llamé para que viniera a verlo. A los pocos días lo tuve de vecino. 

                             

   Juan Carlos Cobián

 

Nos comunicábamos de balcón a balcón proyectando el programa de la noche, Yo escribía unos sketchs para una revista teatral que encabezaban María Esther Pomar y Segundo Pomar, en la sala del teatro Astral y su debut se produjo el 12 de diciembre del 31.

La nuestra era una bohemia de camisa de seda y gomina. Quizás hayamos sido con Cobián unos de los primeros "sin-sombreristas"; esto le hacía exclamar muy divertido: "Nos van a tomar por legionarios". En ese tiempo se denominaba así a una legión juvenil político-nacionalista cuyo líder era Carlés, que se identificaba precisamente en las calles por no usar sombrero.

Poco tiempo después le llevo la letra de su tango al que había titulado "La casita de mis viejos". El mismo fue estrenado por una cancionista llamaba Ïtala Ferreyra, que actuaba en el Teatro Buenos Aires con la compañía revisteril de Jardel Jércolis. "La casita de mis viejos" fue publicada por Ricordi.

                                                   

 

Tania se hallaba actuando en el Teatro Maipú. Una tarde fuimos a visitarla a su domicilio de la calle Cangallo 1700, donde vivía con Discepolín, con el propósito de hacérselo conocer. Cobián se sentó al piano y comenzó a ejecutarlo. Discepolín era la primera vez que lo escuchaba tocar. Le miraba las manos prodigiosas, aladas, llenas de recursos técnicos, asombrado...

Pensando quizá cómo se atrevía a tocar él con un dedo ese mismo teclado que ahora Cobián hacía sonar como una orquesta. Cuando concluyó, sin duda impresionado por el vigor de su pulsación, Discepolín le dijo felicitándolo a su manera: "¡Sos un caballo...!"

Pocos días después Tania lo estrenó en el Maipú". 

(Enrique Cadícamo: "Mis memorias".) 

(Entre las numerosas grabaciones de este tango, podemos escuchar la de Julio Sosa con la orquesta de  Armando Pontier. Grabado el 12 de agosto de 1958.)

                                       

 

                              

 

Las 22 figuras de la Guardia vieja

 El tiempo de la Guardia vieja puede considerarse aquel que se extiende desde la gestación del tango hasta su primera evolución musical. Este período abarca de su indescifrable origen a 1920. Por tal motivo, las figuras de esa época tienen el mérito de haberse convertido en precursores y fundadores del tango. A continuación, se consignan sus nombres, sus fechas de nacimiento y muerte y las obras que crearon y que por más tiempo trascendieron.

-Rosendo Mendizábal (1868-1913). El entrerriano, don José María, Rosendo, Z Club, Don Padilla. 

-Ángel Villoldo (1868-1919). El choclo, El porteñito, El esquinazo, Cuidado con los cincuenta, El torito.

-Carlos Posadas (1874-1919). El jagüel, El tamango, Cordón de oro. 

-Alfredo Antonio Bevilacqua (!874-1942). Venus, Emancipación, Independencia, Primera Junta. 

-José Luis Roncallo (1875-1954). El purrete, El rosario, La cachiporra.

-Enrique Saborido (1876-1941). La morocha, Felicia, Papas fritas.

-Alfredo Eusebio Gobbi (1877-1938). El sanducero, El tigre, Bajale la mano al negro, Tocá fierro. 

-Manuel O. Campoamor (1877-1941). Sargento Cabral, La cara de la luna, En el séptimo cielo. La metralla.                                                                                                                                                                               

                             Vicente Greco y su orquesta típica, con Canaro de violinista

                         

-Juan Maglio Pacho (1880-1931). Sábado inglés, Armenonville, Un copetín, Royal Pigall, Tango argentino. 

-Luis Teisseire (1883-1960). Entrada prohibida, La Nación, Muy de la plataforma, El rubito.

-Roberto Firpo (1884-1931). Didí, El amanecer, El apronte, Argañaraz, La marejada, Honda tristeza.

-Domingo Santa Cruz (1884-1931).  Unión Cívica, Hernani, Pirovano.

-Ernesto Ponzio (1885-1934). Don Juan, Ataniche, Quiero papita, Culpas ajenas.

-Prudencio Aragón (1886-1964). El piñerista, Mate amargo.

-Manuel Aróstegui (1888-1938). El apache argentino, Champagne tangó, El Cachafaz, El granuja. 

-Vicente Greco (1888-1924). El pibe, El morochito, Rodríguez Peña, Ojos negros, La viruta, Racing Club, El flete, Popoff.

-Juan Carlos Bazán (1888-1936). La chiflada, Pampa, La timba.

-Francisco Canaro (1888-1965). Pinta brava, El chamuyo, El alacrán, Charamusca, El opio, Madreselva, Carasucia, La última copa, Sentimiento gaucho, Halcón negro, Pájaro azul.

-Augusto Pedro Berto (1889-1953). La payanca, Don Esteban, Azucena.

-José Martínez (1890--1939). Pablo, La torcacita, El cencerro, Canaro, De vuelta al bulín, Polvorín, El pensamiento.

-Arturo De Bassi (1890-1956). La catrera, El caburé, Manón, El romántico, Don Pacífico. 

-Eduardo Arolas (1892-1924). Una noche de garufa, La guitarrita, La cachila, El Marne, Derecho viejo, Lágrimas, Comme il faut, Qué querés con esa cara, Maipo, Suipacha, Catamarca, Bataraz, La trilla, Retintín.

(Revista "La Maga" - 1994)

 

 

Pan y queso. Costumbres...

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La revancha del tango

A  40 años del mítico show de Pugliese en el Colón.

El histórico concierto de 1985 cristalizó una aspiración largamente repetida en las salas populares. La orquesta sonó con autoridad y convicción, ante un público conmovido.

Por: Raúl Devera

Se cumplen cuarenta años de la noche en que Osvaldo Pugliese llenó el Teatro Colón de tango. Cuatro décadas después, aquel concierto sigue funcionando menos como una efeméride que como un punto de inflexión: no porque el tango necesitara ser legitimado, sino porque una institución históricamente asociada a las élites culturales terminó por reconocer, sin mediaciones, el peso artístico de una música que ya había alcanzado su madurez.

Durante décadas, el tango mantuvo con el Colón una relación distante y desigual. Carlos Gardel nunca cantó allí: su consagración fue masiva, popular y mediática, ajena a la validación institucional. Aníbal Troilo recibió homenajes y menciones, pero no una ocupación plena del escenario con la orquesta típica en su forma más reconocible. Astor Piazzolla sí cruzó ese umbral antes, aunque lo hizo en una zona ambigua, presentado como compositor contemporáneo más que como parte de la tradición tanguera. El género, incluso en sus figuras mayores, parecía quedar siempre un paso afuera.

Sin embargo, en los clubes, en los teatros barriales y en las salas populares, circulaba desde hacía años una consigna que condensaba una certeza estética: “¡Al Colón, al Colón!”. No era un chiste ni una provocación ingenua. Era la forma en que el público expresaba que la música de Pugliese -por su complejidad formal, su densidad expresiva y su ambición artística- ya dialogaba de igual a igual con las grandes tradiciones de la música académica. El grito no pedía permiso: anunciaba un destino.

                   

                                    Osvaldo Pugliese y su orquesta en el Teatro Colón. Una postal histórica.

Pugliese, cuando finalmente llegó a ese escenario, no cambió de registro ni de vestuario simbólico. Llevó su orquesta tal como era. Un sonido colectivo, dramático, construido desde el peso del conjunto más que desde el lucimiento individual. El piano marcando un pulso común, los silencios cargados de tensión, el fraseo arrastrado como una forma de memoria musical. El tango no entró al Colón para embellecerlo ni para adaptarse a sus códigos: entró para afirmarse.

Esa noche, el concierto siguió un repertorio pensado como un cruce entre tradición y celebración, donde se alternaron clásicos instrumentales y piezas cantadas por voces históricas de su orquesta. Abrieron con tangos como «Arrabal» y «Los mareados», siguieron obras como «Recuerdo», y pasaron por milongas de fuerte pulso rítmico antes de acercarse a los momentos más intensos del programa, con piezas que cruzaban memoria y virtuosismo.

El cierre, y quizás el momento más celebrado, fue con «La Yumba», el emblemático tango compuesto por Pugliese en 1946 que, por su ritmo onomatopéyico y su mezcla de tensión y alivio, se volvió sinónimo de su estilo. En la interpretación final, varios de los músicos que habían integrado su histórica orquesta se sumaron al conjunto, un gesto que condensó la idea de continuidad y testimonio colectivo que atravesaba toda su trayectoria. El público lo reconoció de inmediato: ovaciones prolongadas, aplausos de pie y la emoción que sigue asociando ese tema con el cruce entre música popular y gran escenario que simbolizó esa noche.

.Pugliese y la revolución

Desde lo estrictamente musical, Pugliese fue uno de los grandes revolucionarios del tango del siglo XX. Amplió las posibilidades expresivas de la orquesta típica, trabajó el contrapunto interno, reforzó el carácter coral del conjunto, su complejidad rítmica y desarrolló un dramatismo contenido que influyó decisivamente en generaciones posteriores. Su obra demostró que el tango podía ser popular y complejo a la vez, sin resignar intensidad ni comunicación.

Ese ideario estético estaba íntimamente ligado a una forma de organización poco común en la música popular argentina. Durante décadas, la orquesta de Pugliese funcionó como una cooperativa: no había patrón ni figura dominante, sino socios, reparto equitativo y decisiones compartidas. Esa estructura no fue una rareza administrativa, sino la traducción práctica de sus convicciones ideológicas. Comunista declarado, Pugliese sostuvo una coherencia infrecuente entre pensamiento, práctica artística y vida cotidiana, aun cuando eso implicara censuras, detenciones y largos períodos de marginación.

El concierto del Teatro Colón se realizó el 26 de diciembre de 1985, a poco más de dos años del regreso de la democracia. En ese contexto, el acontecimiento adquirió una dimensión que excedió lo musical. No fue una consagración tardía ni una concesión institucional, sino el reconocimiento explícito de un valor que ya estaba allí. El Colón no elevó al tango: aceptó escucharlo en igualdad de condiciones.

El gran Osvaldo Pugliese constituye un fenómeno musical y popular único.

Cuarenta años después, aquella noche conserva su potencia simbólica. No como postal nostálgica, sino como recordatorio de que las jerarquías culturales no son naturales ni eternas. A veces, simplemente, terminan cediendo ante la evidencia.

Y volvemos a aquella noche involvidable con la orquesta de Osvaldo Pugliese interpretando su tango: "La yumba".

                                 

Y también, el vals de Rosita Melo: "Desde el alma"

                                           

                                            

Andá que te cure Lola

 Esta milonga la compuso allá por 1947 el bandoneonista Luis Caruso, al que algunos llamaban "Carusito" y que estuvo varios años radicado en Montevideo, donde se fue a sus 20 años. Dirigió conjuntos, volviendo cada tanto a Buenos Aires y a su barrio de Villa Crespo que lo extrañaba. Su tío era José Servidio, que le enseñaría los secretos del fueye y lo incrustaría tempranamente en su orquesta.

Carusito, era un niño cuando ingresó en la formación musical de Servidio y a los 18 años, saltó de la misma para aventurarse  musicalmente. Al viajar, más tarde  a Uruguay, encontraría el refugio definitivo, al frente de su propia orquesta. Pero antes peregrinó por distintas formaciones, de tríos, cuartetos, formándose para la batalla tanguera que lo estaba esperando.

                                         

 

Como compositor y poeta, tuvo muchos aciertos. No sólo con el tema que traigo hoy, sino también con páginas como Bomboncito, Este carnaval, Y siempre igual, Anselmo Acuña el resero, Se va una tarde más, La fulana (b), Quedó en venir a las nueve, Lecherito del Abasto, Es inútil que la llores, Para negros solamente y otros que engrosan su curriculum creador. 

Y esta milonga que compuso en 1947, con letra y música suya, levantó vuelo en la versión que hizo Osvaldo Pugliese de la misma. Incluso lo grabó con su orquesta, cantando Roberto Chanel y llamó mucho la atención por su estilo lunfardesco y el discurso del personaje. Chamuyándole a la paica que lo abandonó para enrollarse con un inglés "chicato" y recordándole todo lo que hizo por ella. 

 Luis Caruso

                                           

Che rea vestida a plazos,
con desplante de señora,
que no me “das ni la hora”
desde que “chapaste al ganso”;
acordate que este “manso”
con paciencia de “mamita”
cuando se acabó la guita
para parar el buyón,
empeñó hasta el bandoneón
para tenerte gordita...
 

La trata de rea ("de baja condición social, que se entrega con facilidad"), que pretende jugarla de gran señora por haber enamorado al incauto inglés que lo desplazó. Y recuerda que él hasta empeñó el bandoneón que era muy importante en su vida, para complacerla económicamente. Y entonces le pide que no lo mire con desprecio, subestimándolo, después de todo lo que hizo por ella. De paso muestra su negativa por una posible vuelta de la damisela.

No me mirés de reojo
por arriba de esas pieles,
yo “manyo bien tus pasteles”
pa’ que esto te cause enojo...
Cuando “con tierra en el coco”
te salvé de la “perrera”,
aunque estaba en la “palmera”
como pude te paré,
hasta que vino ese inglés
que te bajó la bandera...

Perdoname este arrebato
que no es el “guiye de un boncha”
pero “reviento de bronca”
porque hoy me dejaron “pato”...
Seguí con ese “checato”
y a mí no me “des más bola”;
y si la inglesa vitrola
deja un día de sonar
no me vengas a “escorchar”
“Y... andá que te cure Lola”.
 

Los términos lunfardos le dan más fuerza a los versos. El "guiye de un boncha", significa "chifladura, , estado del que pierde la cabeza. Boncha es el revés de "Chabón"(Torpe). Se queja de que lo dejaron "pato", o sea pobretón, y " estaba en la palmera" - mal económicamente- . A su nuevo amor lo trata de "checato" o sea : "Chicato-miope". Y si la cosa con el inglés se termina, le recuerda: "no me vengas a escorchar" (fastidiar) y andá que te cure Lola...".
Pugliese con su orquesta y  la voz de Roberto Chanel la grabó el  1 de febrero de 1947. 

 

                             

                                  

Aquellos fines de semana milongueros..

 ... con estas orquestas...

                        

              

             

Mala suerte

Francisco Gorrindo y Francisco Lomuto crearon este tango en 1939, y éste último lo grabó inmediatamente con su orquesta y el cantor Jorge Omar. El quilmeño Gorrindo, que nunca abandonó su barrio, tenía 31 años cuando se mandó estos versos que trillan sobre el desencuentro de la pareja, por la afición del "calavera" que nunca quiso abandonar su tránsito nochero.  

                                                                                                                            Francisco Gorrindo                                             

 Gorrindo ancló tempranamente en las huestes tangueras y se lo recordaba en el ambiente como un tipo de envergadura estirada, alta, lucía un moño coloreado y amplio en el cuello de su camisa en las noches céntricas, destacando la bonhomía que lo llevó a intimar con los grosos del tango, de la época. Su tango "Las cuarenta", que lleva música de Roberto Grela, sacudió al ambiente en 1937. 

De ahí en adelante la varita mágica de su talento creador, volvió a lucirse con tangos como "Paciencia", "Ansiedad", "Gólgota", "La bruja" y el citado que compone con el guitarrista Roberto Grela, "Las cuarenta". El que lo consagra en el ambiente y es interpretado por orquestas y cantantes, grabándolo con sus vocalistas, Canaro y Lomuto en 1937. En 1969, la versión de D'Arienzo-Echagüe le da un nuevo impulso.                                                                                                                                                                                                   

"Mala suerte", es un éxito en la versión del "Rey del compás", aunque el título aluda a la mufa" que nos empuja a cruzar los dedos, "por si las moscas...", cuando la situación pinta oscura. Tan oscura que la pareja del personaje le clava el adiós final a la relación y éste se refugia en el boliche esquinero para tapar con alcohol su penuria.

¡Se acabó nuestro cariño!, me dijiste fríamente,
Yo pensé pa' mis adentros, puede que tenga razón,
Lo pensé y te dejé sola, sola y dueña de tu vida,
Mientras yo con mi conciencia me jugaba el corazón.
Y cerré fuerte los ojos, y apreté fuerte los labios,
Pa' no verte, pa' no hablarte, pa' no gritar un adiós
Y tranqueando despacito me fui al bar que está en la esquina 
para ahogar con cuatro tragos lo que pudo ser tu amor.

Y es entonces cuando deschava su espíritu farrista, nocherniego y milonguero. La completa. También la señal de agradecimiento a la que fue su compañera, la que le aguantó sus pecados y define el cierre de la situación como una señal de "mala suerte", y con ese signo sella el mensaje, aunque reconociéndole a ella todo lo que le aportó como novia y mujer.

Yo no pude prometerte
Cambiar la vida que llevo,
Porque nací calavera
Y así me habré de morir.
A mi me tira la farra,
El café, la muchachada,
Y donde anda una milonga
Yo no puedo estar sin ir.

Bien sabés cómo yo he sido,
Bien sabés cómo he pensado,
De mis locas inquietudes,
De mi afán de callejear.
Mala suerte si te pierdo,
Mala suerte si ando solo,
El culpable soy de todo
Ya que no puedo cambiar.

Porque yo sé que mi vida no es una vida modelo,
Porque él que tiene un cariño, al cariño se ha de dar,
Y yo soy como el jilguero, que aun estando en jaula de oro,

en su canto llora siempre el antojo de volar...
He tenido mala suerte, pero hablando francamente,
Yo te quedo agradecido, has sido novia y mujer;
Si la vida ha de apurarme con rigores algún día,
¡Ya podés estar segura que de vos me acordaré!

Lomuto le embocó una música adecuada a los versos de Gorrindo y D'Arienzo con Echagüe le dieron el pasaporte definitivo al éxito -aunque no se trate de una obra destacada- grabándolo el 11 de diciembre de 1974..  

                                 

 También podemos escuchar esta versión en directo de Ricardo Chiqui Pereyra, acompañado por la orquesta de Carlos Galván.

                                           

 

                                            

  

                             

¿A qué te recuerda esta canción?

 Soraya: 

Todos tenemos en la cabeza una especie de banda sonora de nuestra vida, canciones que nos evocan tiempos pasados, momentos que nos transportan con exactitud a un lugar específico, que nos recuerdan a una persona o incluso a una sensación.

En numerosas ocasiones ocurre que nos sentimos bien y contentos, entonces escuchamos esa canción que nos recuerda a aquel día no tan agradable o a aquella situación difícil de hace años. De repente y, como por arte de magia, nos inunda una sensación extraña, la luz que desprendíamos antes de escuchar esa melodía se torna gris y nos apagamos levemente. Seguro que os ha pasado muchas veces. También puede ocurrir todo lo contrario: nos levantamos cansados, sin ganas de empezar el día, saliendo de la cama a regañadientes, sin saber cómo vamos a afrontar todo lo que queda por delante y, entonces, escuchamos en algún lugar esa canción que nos gusta, que nos recuerda a algo feliz, que nos llena de energía como si se nos metiera dentro y nos manejara como a marionetas incitándonos a bailar. Y, sencillamente, cambia nuestro humor.

                                    

Y es que existen estudios científicos, entre ellos, el liderado por Petr Janata (Centro de Neurociencias Cognitivas de la Universidad de Darthmouth), que explican qué ocurre en el cerebro cuando escuchamos canciones que nos proporcionan algún recuerdo (http://www.cooperativa.cl/noticias/sociedad/ciencia/estudio-del-cerebro-explica-como-la-musica-evoca-los-recuerdos/2009-02-24/111551.html). En este estudio, trece estudiantes de dicha Universidad, escucharon treinta fragmentos de canciones pertenecientes a listas musicales de cuando ellos rondaban entre los siete y los diecinueve años. 

Mientras tanto, Janata, mediante una resonancia funcional magnética, observaba sus cerebros y de ese modo, pudo ver que cuanto más importante era el recuerdo que le evocaba una melodía, mayor actividad registraba la dorsal del córtex prefrontal medial del cerebro. Por lo que esta zona está ligada a la recuperación de las memorias pero también a las respuestas emocionales que la música produce. Además, Janata creó mapas tonales de cada fragmento de las canciones y observó cómo la misma zona del cerebro continuaba el proceso de la melodía a la vez que iba evocando los propios recuerdos que ésta le producía; por lo que, el cerebro es capaz de “seguir los aspectos estructurales de la música”.

La música nos emociona a toda velocidad y es que, tan solo necesitamos escuchar unos cuantos acordes, para que se nos erice la piel. ¿Con qué canción te ocurre? Seguro que con más de una.

Pero la música no solo nos evoca, también nos inspira. En numerosas ocasiones no nos hace falta ver nada para inspirarnos, sino simplemente basta con escucharlo. La música puede convertirse en la mayor de las musas, es la mayor fuente de inspiración para los creativos. Grandes pintores de la historia han reconocido necesitar de la música para pintar un cuadro, para aislarse del resto del mundo y concentrarse en sus pinceladas, para conseguir esa evocación necesaria para idear una pintura. La mayoría de los escritores necesitan de su música favorita de fondo, para que sus letras fluyan y sus mentes puedan volar.                                                                                                                                                                      

Y por supuesto, la música nos transmite. Los creativos, los directores de cine, etc., los artistas en general, nos transmiten mediante la música. Eligen una melodía, según la emoción que quieran provocarnos. Y es que, pensad en una película sin banda sonora, sin nada de música. No nos diría mucho, no nos transmitiría lo mismo que lo hace al ir de la mano de un acompañamiento musical minuciosamente escogido. 

Muy diferentes hubieran sido nuestras sensaciones al ver la película “Titanic” escuchando “Wannabe” (Spice Girls) de fondo en lugar de la emotiva “My heart will go on” (Céline Dion). Por eso, la música es tan importante, porque nos hace sentir y hace que podamos hacer sentir a los demás, nos llena, nos inspira, nos hace recordar, nos hace aflorar sensaciones, nos hace ver más allá y nos acerca a otras personas. Y esto último, en plena era tecnológica, es esencial.